我正在读戴维·伯恩（David Byrne）的《音乐的运作方式》，这让我对自己的音乐思考得很多，而且由于我是拉什（Rush）的书呆子，所以我对拉什（Rush）及其音乐随着时间的流逝而思考。
我仍然在努力学习第三章。 读起来很慢。 不仅我的时间受到限制，而且“音乐的运作方式”是一本非常密集的书，而伯恩是一位出色的作家。 我想花些时间来准备这本书。
到目前为止，与我的音乐和《 Rush》有关的还有两件事真正引起我的注意：一是交易工具如何影响音乐，二是现场表演如何影响音乐的创作和设计。
警告：这篇文章中有很多“拉什”，但我的音乐也有很多“职业” —从事很多音乐的职业，但是鉴于我的情况，我恐怕是最多的业余爱好者。 我创作了我认为非常不错的音乐（还有很多糟糕的音乐），但是由于许多原因（其中一些很好），我从未真正销售过它，但事实仍然是，我并没有实际上，我在任何时候都认为是专业人士。
无论如何……Byrne指出工具会以多种不同方式影响音乐。
一方面，房间会影响演奏和写作的音乐类型（为合唱音乐而设计的房间往往会鼓励格里高利圣歌；其他房间则被设计为沉重的打击乐或声音从一点到另一点的投射。）
影响音乐的房间具有深远的影响。 在地下室写作和录制的乐队并不总是能很好地转化为大型圆形剧场，因为音乐是为适应地下室而不是圆形剧场而写的。 （惊讶，对吗？）但与此同时，我们有很多音乐正是经过了这种转变。
为MP3播放器编写的音乐（通常在耳机上收听）的动态级别通常不同于为现场表演编写的音乐……但是当我们进行现场表演时，通常是在听为MP3编写的音乐。玩家。
同样，音乐的技巧也在改变。 一件事真的使我感到惊讶：颤音是一种新事物 。 他说，在现代录音技术出现之前，小提琴颤音是一种杂乱无章的，低调的工具，可以帮助音乐家避免他或她无法真正敲出音符的事实-我们的耳朵会听到颤音，然后我们挑选出正确的音符。
如今，听到小提琴“拉直”（即没有颤音）的声音听起来很奇怪。 在我自己的演奏中，我几乎不加思索地将颤音作为一种技术。 即使我弹硬尾吉他（不带颤音琴），也要在和弦上使用它。
另外：Tremolos在吉他上的名字不正确。 颤音是指音量的变化，而吉他上的颤音-打击乐器可能会改变音高，因此它们实际上是颤音的工具，而不是颤音。 “硬尾”吉他是不带有打击条的吉他。 精确度过高。
伯恩还指出了一些本来应该很明显的事情（回顾过去）：录音改变了音乐的全部本质。 碎片符合媒介的能力； 如果写音乐是为了保存蜡，那么，他们倾向于使用可以比其他蜡更好保存的乐器。 45（短唱片）意味着流行音乐（音乐人听的音乐）受到歌曲在给定一侧可以容纳多少的限制，并且显然也可以延续到“长播放”唱片中。
此外，能够轻松传输录制的音乐意味着录制成为乐曲的权威版本。 过去，现场表演是规范的参考文献–当然，这意味着除了书面活页乐谱之外，对于很多音乐都没有真正的规范参考文献。
但是拥有一首规范的歌曲并不总是肯定的-它为听众实际想要听的内容设定了目标。 我们从“我不知道古德曼会演奏什么”转变为“我期待听到……的完美演奏” —我想我们拉什（Rush）粉丝真的很熟悉这种愿望。
使用录制的版本作为规范再现，意味着现场演出对乐队有一定的要求； 如果是像Phish或Grateful Dead这样的“果酱乐队”，人们期望演唱会不会那么完美，但是对于大多数乐队来说，听众都想听“他做事的无线电精神”。
我自己对此感到内;； 在“汤姆·索亚（Tom Sawyer）”中，我一直希望尼尔·皮尔特（Neil Peart）在吉迪·李（Geddy Lee）尖叫“但是改变是！”之前就从唱片中弹鼓。完全不会降低歌曲的播放量-但我一直希望他能打出特定的歌曲。
最后，伯恩（Byrne）指出，现场表演作为写作过程对于音乐的组合方式非常重要。 通过捕获一个短语并将其反复遍历并随时间变化，您可以判断何时坐在房间里来回播放音乐的人与何时写作相比。
写作的过程以及写作目的，对最终产品影响很大。
早在1980年代中期，计算机就接管了写作和录制音乐的工作。 拉什（Rush）具有相当的技术领先能力，尽早地很好地吸收了地幔。 他们开始大量使用计算机编写东西。
有一会儿，吉迪·李（贝司吉他，合成器，人声）和亚历克斯·莱弗森（吉他）会卡住一会儿，捕获他们想要保留的东西，然后……当亚历克斯离开时，吉迪花了一段时间将其转录到计算机上并驾驶了遥控飞机或其他东西。 他们将使用鼓机来保持这些音乐速写的节拍，然后将结果用作下一张专辑的实际录制会话的基础。
这是一个相当费力的过程。 当然，它可能有用，并且显然可以产生一些杀手级的音乐。
但是这个过程会影响音乐……结果是，您不会获得像三个人在一个房间里闲逛，敲打他们的乐器所写的音乐那样具有凝聚力或有机性的音乐。 电脑不会感到疲劳，也不需要音乐放松一下就可以让手指冷却。 一台计算机可以持续7分钟全力以赴……我可以从经验中告诉你，以这种方式编写的音乐可能会让人筋疲力尽，无法尝试播放和聆听。
人耳想要动态。
在我自己的游戏中，这是一个巨大的因素。 我是一个业余爱好者，就像我在一千年前所说的那样。 通常，我坐在办公室里写书并记录下来，周围完全是书本，键盘和吉他。 对我来说，这个过程往往是在吉他上盘旋，听着我喜欢的东西，发射Cubase并保存它，然后围绕这首歌发展其他一切。 （这不是一个恒定的过程；有时我会先写词，有时我会心中和谐，或者脑子里有旋律。唯一不变的是我自己一个人做。）
甚至在过去，我的音乐通常都是以这种方式编写的，从概念到表达：我都会写出给定乐曲的所有部分，然后播放给朋友，以评估他们的反应。
那可能是倒退。
这就是为什么我最近一直在为Youtube录制吉他独奏作品的部分原因。 我想用“全乐队”录制曲目（这意味着我回去添加贝司吉他，鼓，合成器等等），但事实是，“全乐队”版本仍然听起来不对，因为作品没有写满乐队。 他们是为一支完整的乐队而写的，但是我没有一支。 （您知道，自己添加贝司吉他和让另一个人与您一起演奏贝司是有区别的。）
我的想法是，“后期拉什”（也就是在压力下的宽限期之后拉什）也有一些同样的“问题”。他们用来编写和录制音乐的机制意味着早先的自然动力已经丧失，因为这种动力音乐的书写和录制方式不是必需的。
此外，乐队对现场表演的重视意味着安静，更有活力的段落并不重要，因为现场表演需要能量。 由于演唱会的观众都期待歌曲的录制版本，因此表演的能量是使音乐会值得参加的附加因素。
这很有趣。 Rush已经退休，在他们的最后几张专辑中实际上又重新考虑了录音和写作过程，这表明，因为他们的最后三张原始录音室专辑是他们多年来最好的作品。
但是我还没有退休-实际上，根据我的销售量，我什至还没有开始-但是我仍然继续写和录制音乐。 伯恩（Byrne）提出的这些方面让我思考自己音乐中的好与坏，那是一件好事。
